Drei Solisten. Eine künstlerische Vision.

Jeder Komponist übersetzt seine musikalische Gedanken in ein System von Zeichen. Die daraus entstehende Partitur ist der Versuch, etwas Flüchtiges dauerhaft festzuhalten. Sie ist nicht die Musik selbst, sondern ihre Chiffre, eine über Jahrhunderte gewachsene, hochkomplexe Form musikalischer Verschlüsselung, deren Grammatik sich mit jeder Epoche weiterentwickelt hat. Die Partitur überdauert die Zeit. Die Musik selbst tut es nicht. Sie muss immer wieder neu entstehen, in jenem Augenblick, in dem die verschlüsselten musikalischen Gedanken wieder in lebendige Wirklichkeit übersetzt werden.

Genau das ist die Aufgabe des Interpreten. Sie besteht darin, die in der Partitur niedergelegten musikalische Idee wieder hörbar und lebendig werden zu lassen. Für das Trio Valéry verwirklicht sich darin zugleich der Musiker selbst. Nicht indem er seine Persönlichkeit an die Stelle des Werkes setzt, sondern indem er seine instrumentale Beherrschung, seine Klangfantasie, sein stilistisches Urteilsvermögen und seine musikalische Vorstellungskraft dafür einsetzt, den Kern eines jeden Werkes möglichst vollständig zum Erklingen zu bringen.

Aus dieser Perspektive ist das Dienen am Werk kein Gegensatz künstlerischer Selbstverwirklichung, sondern ihre eigentliche Form. Nicht der Wunsch nach persönlichem Selbstausdruck oder danach, einem Werk Originalität hinzuzufügen, bildet den Mittelpunkt der Interpretation, sondern die Frage, welche musikalische Aussage in der Partitur eingeschrieben ist und wie sie mit den Mitteln des Interpreten ihre überzeugendste Gestalt finden kann. Gerade in dieser Haltung liegt für das Trio Valéry die höchste Form künstlerischer Selbstverwirklichung: Das Werk verwirklicht sich durch den Interpreten, und der Interpret verwirklicht sich darin, dem Werk seine Stimme zu leihen. Auch und vor allem verlangt Interpretation ein Höchstmaß an Demut gegenüber dem musikalischen Gedanken den der Musiker vorfindet. Und da sich ein Werk in seiner gesamten Tiefe niemals vollständig erschließen lässt, kann auch eine Interpretation niemals abgeschlossen sein. Jede Aufführung bleibt deshalb der gegenwärtige Stand einer fortdauernden Annäherung. Offen für neue Einsichten, neue Zusammenhänge und unendlich viele neue Möglichkeiten des Hörens.

Aus diesem Verständnis heraus trägt das Ensemble den Namen Trio Valéry.

Paul Valéry beschrieb jedes Kunstwerk als etwas, das niemals vollendet, sondern irgendwann losgelassen wird: « Un poème n’est jamais achevé, seulement abandonné. » Nicht weil nichts mehr hinzuzufügen wäre, sondern weil jeder schöpferische Prozess einen Punkt erreicht, an dem weitere Arbeit nicht mehr zu Gewissheit, sondern lediglich zu neuen Möglichkeiten führt.

Für das Trio Valéry beschreibt dieser Gedanke nicht nur den schöpferischen Akt, sondern ebenso die musikalische Interpretation. Jede Aufführung ist der gegenwärtige Stand einer fortdauernden Annäherung an den im Werk verschlüsselten musikalischen Gedanken. Keine Interpretation erhebt den Anspruch auf Endgültigkeit. Sie bleibt Zwischenstand einer Suche, deren Ziel zwar niemals vollständig erreicht werden kann, deren Richtung jedoch mit jeder ernsthaften Beschäftigung klarer wird.

Gerade aus dieser Haltung erwächst jene Freiheit, die das Trio Valéry sucht. Sie entsteht nicht dort, wo sich der Interpret von der Partitur löst, sondern eben dort, wo er sie immer tiefer durchdringt. Je klarer sich der musikalische Kern eines Werkes erschließt, desto größer wird der Raum, in dem Interpretation lebendig, spontan und persönlich werden kann.

Diese Haltung prägt auch die gemeinsame Probenarbeit des Ensembles. Jede ernsthafte Beschäftigung mit einer Partitur eröffnet unterschiedliche, gleichermaßen schlüssige Möglichkeiten des Hörens und Gestaltens. Sie werden nicht gegeneinander verteidigt, sondern im gemeinsamen Musizieren erprobt, verändert, weitergeführt oder wieder verworfen. Entscheidungen entstehen nicht aus dem Wunsch nach einer endgültigen Lösung, sondern aus der Überzeugung, dass jede Interpretation lediglich eine weitere Entwicklungsstufe auf dem Weg zu einem tieferen Verständnis des Werkes darstellt. Gerade deshalb bleiben die Proben von Offenheit, Neugier und gegenseitigem Vertrauen geprägt.

 

Interpretation bedeutet aus dieser Sicht nicht, zwischen richtig und falsch zu wählen, sondern innerhalb einer klar umrissenen Idee immer feinere Differenzierungen zu entdecken. Jede Aufführung markiert eine neue Stufe dieser Annäherung und lässt Klang, Ausdruck und Form in einem neuen Zusammenhang erfahrbar werden.

Form bedeutet für das Trio Valéry nicht Begrenzung, sondern Zusammenhang. Sie ist jene unsichtbare Ordnung, welche die Musik von innen trägt und ihren Spannungsbögen Richtung verleiht. Aus ihr entstehen Ausdruckskraft, Poesie, klangliche Farbigkeit und jene Geschlossenheit, die große Interpretationen über den einzelnen Moment hinauswirken lässt.

Aus diesem Grund besitzt Klang für das Trio Valéry niemals ausschließlich ästhetischen Wert. Klang ist Bedeutung. Jede Klangfarbe, jede Gewichtsverlagerung, jede Veränderung des Timbres und jede bewusste Gestaltung einer Tonverbindung verändert die Aussage eines musikalischen Gedankens. Klangästhetik wird damit nicht zum Selbstzweck, sondern zur Sprache der Interpretation. Klangkultur bedeutet nicht Schönheit um ihrer selbst willen, sondern die Fähigkeit, musikalische Bedeutung in ihren feinsten Nuancen hörbar werden zu lassen.

Diese Vorstellung von Interpretation findet ihren unmittelbarsten Ausdruck im Klang des Ensembles.

Getragen wird dieses Klangideal von drei Solisten, deren internationale Konzerttätigkeit sie auf die bedeutenden Konzertpodien Europas, Asiens und Amerikas geführt hat. Trotz ihrer unterschiedlichen musikalischen Biografien verbindet sie eine gemeinsame Überzeugung: Große Kammermusik entsteht dort, wo Individualität nicht aufgegeben, sondern in den Dienst einer gemeinsamen Idee gestellt wird.

 

Der französische Pianist Ingmar Lazar gehört zu den profiliertesten Musikern seiner Generation. Sein Spiel verbindet außergewöhnliche technische Souveränität mit einer seltenen poetischen Gestaltungskraft und einem tiefen Verständnis musikalischer Architektur. Wo das Klavier im Trio die großen formalen Zusammenhänge trägt, verbindet er Übersicht mit feinster klanglicher Differenzierung und eröffnet den Streichern einen Raum größtmöglicher Freiheit. Seine international ausgezeichneten Einspielungen, seine Konzerttätigkeit auf den bedeutenden Bühnen Europas, Asiens und Nordamerikas sowie seine Arbeit als Gründer und künstlerischer Leiter zweier französischer Festivals spiegeln dieselbe künstlerische Haltung wider: Virtuosität ist niemals Selbstzweck, sondern Ausdruck eines musikalischen Gedankens.

 

Der deutsche Geiger Christoph Seybold bringt eine ebenso kraftvolle wie spontane musikalische Persönlichkeit in das Ensemble ein. Seine Tonkultur verbindet Entschlossenheit mit außergewöhnlicher Farbigkeit; Seine Musizierweise verbindet Spontaneität mit gestalterischem Mut und verleiht jeder Aufführung jene Unmittelbarkeit, die nur im gegenwärtigen Augenblick entstehen kann. Im Zentrum steht dabei stets die Suche nach einem Klang, der Ausdruckskraft und Natürlichkeit miteinander verbindet. Regelmäßige Einspielungen ergänzen seine Konzerttätigkeit. Seine jüngste Aufnahme der Bach-Sonaten spiegelt exemplarisch jene Verbindung aus stilistischer Klarheit, klanglicher Farbigkeit und spontaner Musikalität wider, die seine künstlerische Persönlichkeit prägt.

 

Der Cellist Johannes Raab versteht Klanggestaltung als einen schöpferischen Prozess, in dem jede musikalische Situation ihre eigene klangliche Antwort verlangt. Seine von Kritikern vielfach hervorgehobene Klangästhetik verbindet höchste technische Präzision mit außergewöhnlicher Sensibilität für Tonverbindung, Klangfarben und musikalische Proportionen. Bernard Greenhouse beschrieb seinen Klang als eine Qualität, „nach der jeder Cellist suchen sollte“, Prof. Daniel Graf hob die Verbindung aus technischer Meisterschaft, musikalischer Intelligenz und Instinkt hervor. Mit einer für 2027 geplanten Solo-CD widmet sich Johannes Raab dem barocken Solorepertoire. Die Einspielung versteht sich als Fortsetzung seiner langjährigen Beschäftigung mit historischer Aufführungspraxis und wird ihn zugleich erstmals auch als Komponisten präsentieren.

 

Die gemeinsame Suche nach größtmöglicher klanglicher Differenzierung wird von Instrumenten getragen, die seit Jahrhunderten Maßstäbe europäischer Instrumentenbaukunst setzen. Als langjähriger Steinway Artist verbindet Ingmar Lazar seine künstlerische Arbeit mit jenem Flügel, der seit Generationen das Klangideal des internationalen Konzertlebens prägt. Christoph Seybold spielt auf einer Stradivari sowie einer Violine von Niccolò Gagliano, Johannes Raab auf dem Violoncello „Shan-Shui“ von Matteo Goffriller aus dem Jahr 1714 und einem Giovanni Grancino, 1695 in Mailand geschaffen. Trotz ihrer unterschiedlichen Herkunft verbindet diese Instrumente eine außergewöhnliche klangliche Komplexität, Farbigkeit und Flexibilität. In den Händen ihrer Musiker werden sie zu Werkzeugen einer Klangkultur, die feinste Abstufungen von Charakter, Spannung, Poesie und Ausdruck ermöglicht und so den musikalischen Gedanken in seiner ganzen Tiefe hörbar werden lässt.

Gerade in der Verbindung unterschiedlichster musikalischer Persönlichkeiten liegt die besondere Identität des Ensembles. Drei Solisten begegnen sich nicht, um ihre Individualität aufzugeben, sondern um sie in eine gemeinsame musikalische Sprache zu überführen. Aus pianistischer Architektur und Raffinesse, geigerischer Ausdruckskraft und cellistischer Klangkultur entsteht ein Ensembleklang, dessen Ziel nicht größtmögliche Homogenität, sondern größtmögliche Wahrhaftigkeit ist. Nicht Gleichförmigkeit, sondern das lebendige Gleichgewicht dreier eigenständiger Stimmen bildet den Kern des gemeinsamen Musizierens.

Gerade darin findet die Kammermusik für das Trio Valéry ihre tiefste Bedeutung. Für alle drei Musiker bildet sie nicht den Gegenpol ihrer solistischen Tätigkeit, sondern deren konzentrierteste Form. Sie verlangt größtmögliche Eigenverantwortung und zugleich die Bereitschaft, den eigenen musikalischen Gedanken jederzeit in den Dienst eines größeren Ganzen zu stellen. So wird Kammermusik zu jener Kunstform, in der Freiheit, Form, Klang und Verantwortung ihre unmittelbarste Verbindung eingehen.

Die künstlerische Heimat des Trio Valéry liegt im großen Repertoire der Wiener Klassik, der deutschen Romantik und des französischen Fin de siècle. In diesen Werken verbinden sich formale Architektur, poetische Ausdruckskraft und klangliche Differenzierung in einer Weise, die dem künstlerischen Selbstverständnis des Ensembles in besonderem Maße entspricht. Dabei verfolgt das Trio kein festes Klangideal. Jedes Werk verlangt seine eigene Sprache, seine eigene Farbpalette und sein eigenes inneres Gleichgewicht. Klang entsteht nicht aus der Suche nach einem unverwechselbaren Schönklang, sondern aus der Bereitschaft, jedem Werk jene Klangwelt zu eröffnen, die seiner inneren Idee entspricht.

Darin liegt das eigentliche Klangideal des Trio Valéry: nicht in einem wiedererkennbaren Ensembleklang, sondern in der Fähigkeit, jedem Werk seine eigene Sprache, seine eigene Farbpalette und sein eigenes inneres Gleichgewicht zu eröffnen.

Das Trio Valéry erkennt seine Aufgabe im Paradox musikalischer Interpretation. Der Musiker verwirklicht sich selbst am vollständigsten dort, wo er nicht sich selbst ausdrücken will. Indem er seine ganze Persönlichkeit, seine Individualität und seine Kunstfertigkeit in den Dienst eines musikalischen Gedankens stellt, entsteht jene Freiheit, die nicht vom Werk wegführt, sondern immer tiefer in es hinein.

Dort beginnen für das Trio Valéry musikalische Wahrhaftigkeit, Authentizität und die niemals abgeschlossene Suche nach dem in jeder Partitur verschlüsselten musikalischen Gedanken.